domingo, 20 de diciembre de 2015

Exposiciones de gráfica en Barcelona (13)

En la Casa de la Paraula, y hasta el 23 de Enero, exposición de presentación de Gráficas de Sur, proyecto editorial de Carmen Castellví y Tomás Pariente centrado en la obra gráfica. Nuestra primera publicación es Erografía, de Juan Escudero.  El objetivo de este proyecto es editar a artistas que nos gustaría que fuesen parte de nuestra colección de arte, de ser coleccionistas. El interés para nosotros es conseguir un resultado y un diálogo con cada artista que sea personal y que ponga a disposición del artista editado nuestro conocimiento de, ya, 16 años de dedicación al grabado.



Erografía. Aguafuerte. 50 x 65 CMS. Detalle.


Cada proyecto se adaptará a ese diálogo, y no esperamos que haya un compromiso de producción, sino un compromiso con cada proceso de creación.
En la exposición en la Casa de la Paraula se pueden ver también trabajos de Teresa Gomez Martorell , nuestra próxima artista a editar. Hay varias cosas, pero en especial destaca un conjunto de estampas que funcionan a modo de instalación o más bien como una pieza multifacética, donde podemos ver un ojo atento, un dibujo preciso y altas dosis de poesía.



Aspecto general de la obra de Teresa Gomez, El mundo iluminado y yo despierta


Detalle

Además en la exposición se puede ver un precedente a esta intención editora, la carpeta titulada  Cinc de Cinc, que hicimos hace 11 años para celebrar los primeros 5 años de taller. En esa carpeta hay 5 estampas de 5 artistas distintos. Dos de ellos nosotros, pero los otros 3 son artistas que entonces frecuentaban el taller o pensamos que podía ser intereante editar: Enric Gili, Ester Figuerola y Manuel Ros.



"Ojos que no ven" de Enric Gili





"Niu", de Ester Figuerola






"Laberinto" de manuel Ros.



El pasado viernes 18 fué la presentación, a la que asistieron amigos, artistas y conocidos. Grabado Líquido se une a continuación a la esfera social propia del arte y sus peculiaridades con una serie de fotografías de celebración.



Con los artistas Juan Escudero y Teresa Gomez Martorell



Con Manuel Ros, Carmen Castellví, Teresa Gomez y Daniel Gasol


Con Rosó Cusó y Juan Ecudero


Los amigos más fieles nunca faltan



Carmen Castelllví diseñó el sello de Gráficas del Sur, que va en relieve en un extremo de las estampas y nos une a la tradición de señalar en las estampas la editorial a manera de firma.






Con el nombre hemos querido hacer mención a la idea de Sur como paraiso y a la vez periferia. "Relatos de los Mares del Sur" de Jack London, La película El sur o Bestias de Sur salvaje   son otros destellos del significado, de la capacidad evocadora que buscamos.

Cuando los demos os comunicaremos los próximos pasos.



jueves, 17 de diciembre de 2015

¿Qué es el Arte?

Hace ya un mes tuvo lugar el X simposium Internacional de la crítica de arte organizado por la Asociación de críticos de arte de Catalunya (ACCA).  Nunca habia asistido a ningún simposium de este tipo, y como la crítica me interesa cada vez más en sus aspectos teóricos, y además la primera ponencia el primer día iba a cargo de Peio Aguirre, del que este verano leí su libro "La linea de producción de la crítica", me apunté sin dudarlo.  Pude hablar con Peio Aguirre, y decirle cómo me había interesado ese pensamiento crítico más allá de la crítica práctica que conozco, la de las reseñas de exposiciones o los estudios en los catálogos. Su concienzudo análisis del estado de la crítica, su propuesta de crítica dialéctica... Un gustazo.

 En este simposium por la mañana habia ponencias y por la tarde mesas redondas.  En las mesas los ponentes, un moderador y el propio público podían conversar sobre lo dicho por la mañana. Hubo buenas ponencias y momentos muy buenos, preguntas del público, pequeños debates, pero para mi lo mejor se produjo al final, en la mesa redonda del día 14, cuando después de una introducción del moderador el diálogo, la discusión, no acababa de arrancar y los ponentes y el público amenazaban con incómodos silencios y un deber de conversar forzado por la situación.  Fué entonces cuando Irit Rogoff tomó la palabra y, sorprendentemente, declaró que tal como se desarrollaba el debate no iban a poder hablar de nada, y que sería mejor ser más concretos, asi que, para facilitar ese tránsito a la concreción, Rogoff invitó a sus contertulios a responder a un par de preguntas y, sin más, lanzó al aire dos proyectiles y señaló al ponente de más a  su izquierda para iniciar una ronda ineludible de respuestas. Creo que el moderador trató de justificar la idoneidad de su introducción, pero en definitiva la ronda fué inevitable, y las preguntas eran algo así:

-¿ Qué es para ti el arte, cómo lo definirias?
-¿Qué artista te ha interesado últimamente? ¿Por qué?


Susto en el bosque de las piruletas. Linografía a 6 tintas


La ronda se produjo para curiosidad del público, y uno a uno los ponentes razonaron definiciones de arte y artistas o prácticas artísticas que estaban de acuerdo con su definición. Cuando les escuchaba me pareció que entendía lo que decían. Dado que todos eran pensadores, críticos, filósofos del arte incluso, el grado de abstracción de sus definiciones fué alto, pero aun con todo me pareció entenderles, con dificultad creo, pero eso me pareció.

Ahora solo me acuerdo de las sensaciones que, como espectador, tuve al escucharles; Pero de las definiciones nada, no me acuerdo, alguna frase aislada, algún que otro concepto... así que no se si realmente entendí algo. En cualquier caso la palabra critica y otros derivados -como criticalidad- aparecieron en varias ocasiones en las respuestas, por lo que, al menos en mi memoria, Irit añadió una tercera pregunta a las 2 anteriores, y, advirtiendo que hablaba muy en serio, preguntó si acaso la critica de arte era una actividad socialmente  relevante por aquí...  Si las dos primeras preguntas causaron una cierta alarma podría decirse que aquí el estupor planeó por la sala, y Rogoff fué interrogada a su vez por el sentido de su pregunta por que, ¿A qué se refería? ¿Y como definiría relevante? ¿Como sinónimo de importante? Quizá todo dependiese de cómo se definiesen esos términos, de cómo se entendiesen...

Lejos de echarse atrás Rogoff aclaró que en Londres, de donde ella procedía, la critica de arte era una actividad socialmente irrelevante: Si, los textos de la crítica estaban ahí, publicados y disponibles, pero incluso en las exposiciones de arte contemporáneo de gran éxito son poco leidos por los espectadores. Así pues, y esta vez extendió de nuevo la pregunta al resto de los ponentes para aprovechar sus distintas procedencias geográficas, Rogoff insistió. ¿Es acaso la critica una actividad relevante en vuestros paises?  Nadie se atrevió a decir que la crítica era relevante, y algunos afirmaron claramente que era irrelevante, pero que quizá esa irrelevancia era una buena posición estrategica, o, en todo caso, era una irrelevancia que no impedia un foco importante de actividad crítica, de organización e identidad,  y una prueba era el mismo simposium en el que estábamos, su decima edición, posible porque la ACCA no cesaba en su empeño de difusión y fomento de la crítica como herramienta social, incluso más allá del lugar que teóricamente tiene asignado en el Arte.

En todo esto, y en algún momento, alguien entre el público preguntó por los artistas. Porque ¿Había artistas en la  sala? ¿Y qué pensaban ellos que era el arte? La que preguntó esto era un artista, que tenía otra artista al lado, y yo, en la misma fila, escurrí el bulto pensando que tendría que decir que era para mi Arte...  Vaya, pensé, ¿Qué decir para no quedar en ridículo con ese nivel de abstracción, con todas esas citas a grandes pensadores como Benjamin, Adorno y compañia?

Y sobre todo, y después de dedicarme durante años, ¿Qué pensaba yo que era el arte? ¿A quien citaria yo como referente?  Esto me ha dado que pensar bastante, aparte de compartir, cuando escuché a los críticos, la sensación de que la irrelevancia social de la crítica de arte podría extenderse sin dificultad a la irrelevancia de "su objeto": el arte. Y no es que en Grabado Líquido no haya tratado el tema, pero siempre se ha tratado de un enfoque metalingüístico y contextual, en relación a las propias preguntas (Y así señalar que la pregunta de "Qué es" supone un objeto concreto, y por tanto desde la Postmodernidad se prefiere el "Cuando hay", donde todo se ve un poco desde fuera).
 

"Caos en la Jungla", Aguatinta de Carmen Castellví
 

Definiciones de Arte hay muchas, pero a mi hay una, que no es propiamente una definición de arte, que desde que la leí me pareció clara y comprensible desde la intución y la experiencia de casi cualquiera. Es la manera en la que Herbert Read definió la música como "Una celebración de la vida"(1). La musica y la danza, celebraciones de la vida, alegría hecha ritmo y gesto. Cuerpos liberados de su función, de su necesidad. La necesidad más perentoria es sobrevivir. Nuestra capacidad cognitiva no responde a la necesidad de conocer la realidad, sino a la necesidad de poder sobrevivir en ella. Liberados provisionalmente de esa necesidad, celebramos seguir vivos.

Por extensión se podría pensar que el arte es siempre  una perpetua afirmación de nuestras capacidades. Cassirer definió al hombre como animal simbólico (2), así pues si el arte es ante todo una afirmación de la vida, una celebración de nuestro vivir, como animales simbólicos lo que hacemos es construir símbolos que son un alarde de nuestras capacidades cognitivas liberadas de su función primaria. La capacidad visual para distinguir la simetria nos permite ver animales en la maleza, nos permite ver la cara del depredador que nos mira, y cuando liberamos esta capacidad de su uso inventamos usos que son afirmación de esa capacidad, su celebración. Esto puede parecer superficial, banal incluso:  Si miramos el arte contemporaneo éste está cargado de razones, de complejas teorías y grandes objetivos, objetivos sociales, misiones de transformación que, aparte de chocar con la realidad social,con la irrelevancia del arte, no parece que respondan a celebraciones o alardes vitales. Por eso me gusta también la definición que hace del arte Bob Dylan, y de su sentido más alto:


 " EL Arte es el perpetuo movimiento de la ilusión. El más alto objetivo del arte es inspirar. ¿Qué mas puede hacer? ¿Qué mas se puede hacer para todos sino inspirarnos?" (3)


El arte nos inspira porque somos animales sociales, miméticos, y la celebración de otros de nuestras capacidades provoca nuestra empatía, el reconocimiento de esa capacidad en nosotros. Dylan tiene muchas letras de denuncia social,  pero a la vez sus canciones nos inspiran. Incluso en las peores circunstancias el arte es afirmación frente a la fatalidad.

 Puede que en el simposium de la ACCA sintiese la irrelevancia de los artistas, no del arte. Los artistas son irrelevantes porque son muchos y la sociedad está rodeada de arte. La indiferencia es común, o el desánimo. La nostalgia por la pasión o la súbita revelación; el intento de  su superación o la imposibilidad de seguir pensando el arte como una experiencia real,  guían algunos de los  discursos actuales sobre el arte.

 Ante esto es importante sentir lo fundamental.



"Ojos que no ven..." Fotolitografía de Enric Gili




(1) Atribuyo esta frase a Herbert Read, pero no estoy seguro de que sea suya.

( 2) Cassirer, Ernst. "Antropología Filosófica".Pag. 49. Fondo de cultura económica. Colección popular.

(3) Fuente: http://www.rtve.es/alacarta/audios/pioneros/







viernes, 4 de diciembre de 2015

Los 10 mejores grabadores de la historia

En una ocasión, en el marco de un curso de formación continua, la profesora nos explicó a los alumnos el gran avance que, para el conocimiento, suponía la Red. No solo porque el conocimiento estaba disponible de inmediato en todo el mundo y para cualquiera, sinó también porque, de ser un conocimiento erroneo, el error sería indicado y corregido por la propia comunidad, por todos nosotros. La red realiza el sueño de la inteligencia global, la unión de todas nuestras capacidades y conocimientos juntos. Oyéndola no pude evitar levantar la mano, o la voz, y preguntar si la red no era a la vez lo mismo en cuanto a la estupidez, una suma de toda la estupidez del mundo, trabajando tambien generosamente y en equipo todo el tiempo. No, exclamó otra alumna, porque si alguien dice algo erroneo se le corregirá. A mi  me quedó alguna duda.

  Esto fué hace unos años, y desde que me he sumergido en la red los ejemplos de irreflexión son tan frecuentes como los de reflexión.  Obviamnete mi profesora estaba en lo cierto, pero si alguien defendiese lo contrario, que la red promueve el desconocimiento,  también estaría en lo cierto.  La información es lo que corre por la red, pero en ocasiones esta información no es conocimiento, o el conocimiento está ahí, pero es invisible enterrado en infinitas páginas irrelevantes.  En Facebook, por ejemplo, es fácil ver cadenas de noticias falsas, teorías conspirativas o cambios alarmantes en la privacidad del software que requieren de advertencias solemnes.

 Otra de las cadenas que periodicamente nos azotan son las listas que enumeran características relevantes o Tops ten.  Por supuesto un comentario de este tipo, en Grabado Líquido, es una bienvenida al descubrimiento de una de esas listas cuyo tema es el grabado, Los 10 mejores grabadores de la historia. Una lista que, como todas las listas de este tipo, puede ser vista como una manera absurda de clasificar lo real. Porque ¿Es posible determinar un criterio tan unívoco que nos permita clasificar la calidad en el arte o, ya que estamos, en el grabado, hasta el punto de elaborar un ranking? Normalmente estas listas, estemos o no de acuerdo con ellas, son listas que no especifican que criterios siguieron en la clasificación, solo ofrecen el resultado. Si la lista es de algún modo coherente entonces solo será incompleta pero ¿Sería posible una lista así?  He de decir que la lista que me ha hecho pensar en esto me parece que  tiene varios llamativos errores, no en cuanto al orden de los artistas que propone, que parece responder a una búsqueda  en la  Red y está en el reino de lo subjetivo,  sino en cuanto a lo que dice de los artistas, que, a pesar de lo breve de los textos, en 2 de los 10 escogidos equivoca el movimiento histórico al que pertenecieron, y en otros 2 es dudoso que sean grabadores aunque hayan hecho "obra gráfica". Cuestión esta, la grafica como procedimiento subordinado, muy común y que no impide grande obras.

 En un primer momento la lista me causó mala impresión, no solo por las omisiones notorias (es una lista donde está Durero y Goya, pero no  Rembrandt, Callot, Mellan o Piranesi), sino por otras menos obvias: no hay no  occidentales, no hay mujeres, y los artistas actuales a los que alude no destacan demasiado en el mundo del grabado(eso no impide que sean grabadores notables, pero eso es otra cosa).  Pero luego cambié de opinión, ya que siempre es de agradecer que te hagan pensar no solo en los contenidos (la selección) sino en la misma estructura (los listados) y lo que implicitamente supone (los criterios). Y  también están las dificultades para acceder al conocimiento.




Rembrandt, sorprendido premonitoriamente por no estar entre los 10 mejores, probablemente


Más allá de lo anecdotico de todo esto, y de lo sintomático que resulta, no en cuanto al grabado, sino en cuanto a cómo el conocimiento se confunde con la información en la Red, el descubrimiento de una lista de los 10 mejores grabadores de la historia me ha hecho preguntarme si no sería factible una lista así que fuese aceptable, ponderada más allá de que quienes la consultasen no estuviesen de acuerdo con la elección, los criterios o simplemente les pareciese que 10 son pocos.  En definitiva, ¿Podría Grabado Líquido proponer una lista que respondiese al mismo título? ¿Cómo tendría que ser? y ¿Bajo qué criterios?  ¿Podría alguien tener un conocimiento tal del grabado que pudiese indicar a los 10 mejores grabadores?

Me sentiria más políticamente situado si la lista tuviese una pequeña modificación en el título, digamos, "10 de los mejores grabadores de la historia", y así podría al menos responder afirmativamente a la primera pregunta. Pero vayamos por partes y aceptemos, eso si, el reto.

 Para empezar habríamos de ser conscientes de la dificultad mayor, que es imaginar que existe un experto, o incluso un conjunto de expertos, que sean capaces de percibir la comunidad gráfica mundial como una realidad tangible, y no como una abstracción. La preponderancia de la pintura o la escultura hace más fácil hallar ejemplos y estudios históricos que reflejen exhaustivamente - o al menos lo pretendan- cual es el estado de la cuestión y cual es el objeto de estudio. El grabado, como parte del mundo del arte de peso poco relevante, impide la visión de conjunto, y esta se limita a, sobre todo, el pais o la cultura dominante desde la que se produce el propio concepto de arte. Para entenderlo nada mejor que una lista, pero no de 10, sino de unos cuantos más, esta. Una lista de Wikipedia de cerca de 500 destacados grabadores, pero en la que encontramos la notoria ausencia de casi todo el grabado latinoamericano del siglo xx, y casi todo el grabado asiatico de toda la historia de su arte.  Y más alla de estas visibles ausencias ¿Qué hay de las invisibles?  ¿Existe el grabdo africano, el inuit, el brasileño o el hindú? ¿Hay autores destacados, hay una historia del grabado en cada caso?



De caza. Quananapik Povungnituk. Grabado Inuit sobre piedra


La visión de conjunto parece imposible, sobre todo en la actualidad, cuando las identidades que se construyen desde el procedimiento son negadas desde ciertos discursos contemporaneos como obsoletas. No deja de ser curioso que despues de Lyotard y otros Postmodernos se teorize sobre una identidad, que es una construcción cultural, como si esta fuese un objeto, y como tal pudiese desaparecer o caducar con independencia de si aún hay sujetos que se piensan desde su uso. Porque  la vigencia de una identidad, como la oportunidad de un pensamiento o la relevancia de un artista, dependen más de su uso social que de su ser intrínseco. Y esto nos conduce a un criterio interesante para hayar a los mejores grabadores, que serían aquellos más citados por la comunidad que los aprecia, los propios grabadores, y subsidiariamente el sistema del arte en el que se insertan. El mismo criterio nos plantea la dificultad, porque la comunidad del grabado es poco visible, incluso para si misma, y los buscadores virtuales aun no llegan a tanto.

Pero podríamos conformarnos con criterios menos exigentes. Podriamos pensar en los grabados más caros, es decir, establecer un criterio de mercado, o mirar cuales son los 10 primeros grabadores que salen en un buscador si pones algo como "Los mejores grabadores del mundo". Hay que decir que en general Picasso está siempre de los primeros, cuando no el primero. Podriamos buscar en otros idiomas, y veriamos que los resultados varían, o podriamos buscar términos más concretos de búsqueda, porque grabadores es un término que también comparte la era digital, pero como aparato de reproducción de software.


Aspecto de los mejores grabadores según google


Podemos encontrar noticias que nos orienten, o podemos buscar en algún prestigioso premio, a ver que nombres tenemos, que serán presumiblemente contemporáneos y locales.

Pero  dejemos de lado estos intentos de intersubjetividad y, al menos en lo que se refiere al grabado histórico, señalaremos  10 de los mejores, que podrían ser, no por orden de importancia sino por orden alfabético:


William Blake

Jacques Callot

Gustavo Doré

Albert Dürer

 Hendrick Goltzius

Francisco de Goya

 Utagawa Hiroshige

 Katsushika Hokusai

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Giovanni Battista Piranesi




grabado de Hokusai




Estos son artistas de antes del siglo XX. El siglo XX permite aún más variedad, sin llegar al contemporaneo(de esta lista la única artista viva es Paula Rego). Veamos 10 de los mejores, aunque cuanto más cercana más discutible es la lista:


Otto Dix

Max Ernst

 M.C.Escher

José Guadalupe Posada

Kate Kolltwitz

 Frans Masereel


Edward Munch

 Pablo Picasso

Paula Rego

Georges Roualt 





la dificultad, que en el siglo XX ya es, para mi, muy grande, se vuelve sublime por inconmensurable en el grabado contemporaneo, porque ahora hay más grabadores que nunca, la criba del tiempo no existe y lo aconsejable parece realizar listados más extensos obedeciendo a criterios muy diversos...  Pero la idea de la entrada se entiende, imagino.