sábado, 29 de diciembre de 2012

Aura Líquida(3)

Como tercera vía quedan aquellos que lamentan la desaparición del Aura tal como se manifestaba en su entorno cultual, y juzgan la modernidad y la Postmodernidad como decadencias sucesivas en nuestra relación con el Arte. Así del culto pasamos a lo culto, y de lo culto a lo cultural. Del misterio máximo, de la imagen sagrada, a las imágenes canonicas -una jerarquía basada en unos criterios explicitos de calidad, en la referencia a un Canon- y por fin al las imágenes de valor igualado, sin jerarquia ni distinción alguna, en las que resulta imposible saber si estamos ante una reproducción o un original, imágenes Postauráticas. De este último grupo considero a Jean Clair  y en concreto parte de la argumentación que subyace en el libro El malestar en los museos . En este libro Clair  explica cómo el gobierno francés accedió a hacer de un modelo museístico que era un referente del significado de la cultura y de la obligación de un estado de conservarla y promoverla- El Louvre y la gestión de sus colecciones- otro modelo en el que el Louvre pasa a ser una marca que puede venderse y explotarse comercialmente. Clair arremete contra la mercantilización y espectacularización de las instituciones museísticas, contra su masificación desvirtuante y se lamenta de la pérdida de valiosas colecciones que no se han adaptado a estos nuevos tiempos.


Jean Clair


 Lo interesante sin embargo, y por lo que respecta a estas lineas Auráticas, es cómo Clair explica sus primeros encuentros con el arte -su percepción primero de lo sagrado y más tarde su percepción de lo que significa lo profano- y su opinión acerca de donde está el arte ahora y por qué. Aunque en ningún momento Clair emplee la palabra, lo que describe son experiencias auráticas, o su ausencia.

Jean Clair rememora para empezar la primera vez que sintió el impacto del arte, en la copia de un Matisse hecha por su profesor de pintura. Después nos cuenta también la primera vez que sintió, sin saberlo, la degradación de lo sagrado a lo profano: La profanación. Esta tuvo lugar en una iglesia, contemplando atónito una velada de Performances. Con este punto de partida Clair nos explica a través de varias comparaciones y distinciones en que radicaba el poder sagrado de las imágenes y cómo es que se ha degradado. La esperanza de Clair es que esta degradación se revierta recuperando la sacralidad perdida:

 "Sí, y sin embargo... El culto antiguo de las imágenes-me refiero al culto producido por las imágenes, no al culto que les rendimos a las imágens-sigue estando preparado para resurgir." (1)

 Leyendo sus argumentos, y sin que Clair nombre la terminología propia de Benjamin, es imposible no encontrar un paralelismo, un diálogo, por ejemplo en este fragmento:

"La razón de ser de una colección es el acopio del unicum. Res unica solaque. Una obra de arte no es un "producto" porque, precisamente, al contrario que los objetos de la industria, no puede ser "re-producida""  (2)

¿No es esto un argumento aurático? ¿Y no lo es este otro, donde Clair cita a Quatremere de Qunicy y que podríamos contrastar con el equivalente de Benjamin, en lo que respecta al significado contextual de los objetos artísticos?:

(La obra)  "Tampoco puede ser separada de la historia singular de la que es producto para ser transferida, deportada a un lugar artificial, creado por la decisión arbitraria del poder, y que llamamos museo. La obra permanece vinculada a su lugar y a su tiempo, y no puede ser desvinculada ni desplazada sin que su significado mismo resulte arruinado" (3)

Lo que Clair propone en definitiva es la recuperación del arte como algo sacral, algo que tendría que ser de un enorme significado, y que contrapone al estado actual del arte, que es, precisamente, insignificante:

"Pero nuestra impunidad  respecto a la fabricación de imágenes la pagamos al precio de nuestra impotencia. Las imágenes que creamos,reproducimos, difundimos,exportamos y exponemos son infinitas, sin límite y sin ley, pero solo en la medida en la que se han vuelto, a nuestros ojos, inofensivas e insignificantes." (4)

Ni que decir tiene que en el panorama del Arte Contemporaneo una postura como la de Clair resulta enormemente chocante. Se le acusa, de un modo parecido a como se hace con Robert Hughes, de conservador o reaccionario, pero una propuesta de este tipo creo que está más allá de estos estereotipos.



Finálmente, y después de leer a Walter  Benjamin y repasar algunas de las principales interpretaciones posteriores de su libro La obra de arte en la etapa de su reproductibilidad técnica, cabe preguntarse a uno mismo si eso que llaman Aura está dentro de los fenómenos experimentados en la actualidad cuando contemplamos Arte. Sin llegar a extremos como el mal de Stendhal , trístemente reducido por algunos a una excesiva torsión de las cervicales, la respuesta podría seguir siendo que si.

El David, una de las obrtas y los lugares, los Uffizi, propios de este mal.

En Internet, si se investiga sobre la opinión que gente corriente aficionada al arte da sobre este tema parece claro que muchos siguen sintiendo el peso del Aura como algo real y presente en la recepción de la obra, y precisamente ponen ejemplos de grandes iconos de la historia del arte, como el David de Miguel Angel, y de lo que sintieron cuando estuvieron ante ellas.

Casualmente estuve en  Florencia en viaje de fin de curso con 17 años, por lo que ligado a mi descubrimiento del Arte está Florencia y los Uffizi. El David de Miguel Angel, El Nacimiento de Venus de Botticelli u otras obras menos conocidas de pintura y escultura me impresionaron mucho, incluidos unos grabados de Piranesi, sus cárceles.




Parece que ahora  tuviesemos que averiguar si el Aura permanece presente en nuestra experiencia estética como algo sólido o como algo líquido, como algo que va y viene según el momento o como algo que solo se percibe por su ausencia, por el hueco que ha dejado. La relación clara entre lo que es una reproducción, una copia y un original está relacionada con como percibimos el Aura, El unicum diría Clair;  Y de nuevo la disolución de las fronteras y la declaración de una Postaura en un contexto de Modernidad progresista ha propiciado una reconsideración crítica y reflexiva que nos ha llevado a pensar que la experiencia aurática no desaparecerá a pesar de su fragmentación. Muy al contrario, vemos incluso que hay quien llama incluso a su urgente recuperación.  Al mismo tiempo esta recuperación/reivindicación podría ser el canto de cisne del Aura, derrotada por fin por los medios de reproductibilidad  no ya mecánicos, sino digitales.


(1) Clair, Jean. El malestar en los museos. Ediciones Trea. Asturias 2011. pag 21.
(2) Ed. cit. pag. 51.
(3) Ed. cit. pag. 68.
(4) Ed. cit. Pag. 89.

lunes, 10 de diciembre de 2012

¿El grabado es un arte menor?

¿Se puede seguir pensando en artes menores y mayores, y preguntarse algo como el título de esta entrada? Desde nuestros presupuestos ideológicos es feo decir cosas así. Todas las artes han de ser iguales. Pero como siempre el lenguaje, incluso el lenguaje heredado o en desuso, refleja una valoración, una  realidad social. Nuestro contexto democrático no elimina las jerarquías. Les cambia el nombre y trata de reformarlas, pero en muchas ocasiones inútilmente.
Para empezar podríamos ver que puede querer decir Arte menor. Un arte menor es aquel que tiene una menor complejidad, unas posibilidades menores en su técnica, en sus desarrollos, en su práctica y tradición. Tambien un arte subordinado a otros.
El arte mayor es en la métrica poética el verso superior a 9 sílabas, y el menor del octosílabo para abajo. En el Flamenco también hay un cante chico y un cante grande. El cante chico es más popular, más de fiesta, en el cante grande hay dificultad y tragedia.
Entonces ¿Es el grabado un arte menor? Pues para muchos artistas, si atendemos al uso que hacen de él, así es, porque está subordinado a lo que hacen en pintura, escultura o dibujo y enfocado a realizar obra más barata que la original única.

Esto lo he pensado al leer en el nº 35 de  Grabado y edición la entrevista mútua que se hacen Fernando Bellver y Demian Flores. Bellver, nada más empezar, nos dice:

"Mi relación con la gráfica empieza porque me resultaba más fácil su venta, yo venía de una tradición de dibujo y escultura y necesitaba dinero rápido para poder fundir mis esculturas"

Es una entrevista sin pelos en la lengua. No hay mercado de la gráfica en España nos dice Bellver, y esto nos puede dar una pista muy reveladora de los motivos de la deriva de Estampa  mucho más acertada que pensar que la gráfica está obsoleta, o que eso es lo que piensa la dirección de Estampa. La economía tiene un gran peso en el Arte, y no solo en la vida de los artistas, sino en la dialectica de las nuevas propuestas o enfoques, alumbradas en muchos casos más por la necesidad de encontrar mercado que por la inquietud de innovar en los lenguajes artísticos, aunque innovar en los lenguajes artísticos sea uno de los motivos que guía la ambición artística. No quiero ser dogmático -todo se entremezcla a la vez- pero tampoco quiero participar en la tradicional ocultación por parte de los artistas de los motivos prosaicos que guían sus búsquedas artísticas. La especialización, la hibridación, la intelectualización y los cambios estilísticos en ocasiones tienen como motor el dinero, su ausencia. También la ausencia de reconocimiento.


                                            Aguafuerte en dos tintas. Recordando mis lobitos.

Sin un mercado de la gráfica lo lógico es que la práctica de la gráfica sea vista por muchos artistas como un complemento, un algo más que hacer...  Aunque "los artistas", leyendo estas lineas, podrían recordarme que esa ausencia de Mercado no es un patrimonio de la gráfica, sino una condición de todo el mercado del arte plástico tradicional y del visual (no del cine claro, sino del video arte, fotografía, etc.). Y no solo de España.

Tradicionalmente siempre que se empieza un artículo preguntando algo como esto, que si tal disciplina es un arte menor, se acaba afirmando apasionadamente lo contrario.

 Desde el punto de vista de la complejidad las técnicas del grabado no tienen nada que envidiar a otras técincas del arte plástico. La condición de original múltiple pesa mucho en su consideración de arte menor (y eso que en los estandares actuales se trata de una multiplicidad muy escasa, pero ciertamente no se trata de de ejemplares únicos, así que su "Prestigio Aurático está mermado). Pesa mucho el uso que el mercado del arte y los artistas han hecho y aún hacen del grabado, y el menor precio que la obra gráfica siempre tiene si miramos en perspectiva la producción de un mismo artista. Si pensamos que el precio de mercado es una traducción consensuada del valor, entonces el grabado, de una manera muy clara, es un arte menor dentro del Sistema del Arte. La inexistencia de museos de gráfica o la casi total ausencia de un circuito de galerias de gráfica -al menos en España-  apuntan en la misma dirección.


Aluminografía.


Sin embargo el panorama del Arte Contemporaneo ha proporcionado una base teórica y una situación en la que las artes mayores o menores no deberían existir. Todo tiene el mismo valor de salida, lo que hay es desarrollos más o menos acertados, más o menos mayores o menores. En la práctica vemos como nunca una cantidad grande de artistas que cultivan en exclusiva la gráfica entendida como una propuesta de Arte Contemporaneo, sin subordinarla a otras disciplinas ni a la voluntad encubierta de hacer reproducciones artísticas. Así que, perdida entre el ruido de las corrientes dominantes y a pesar de ellas, puede que la gráfica, en sus muchas variantes, adquiera en la actualidad una densidad inesperada.
En el mismo nº 35 de Grabado y edición en otra entrevista, esta a Alicia Candiani, se afirma lo siguiente :

"En el siglo XXI el arte gráfico está redefiniendo de manera transgresiva las estrategias de construcción de la imagen a través de la posibilidad de generar la obra haciendo uso del múltiple y sacando ventaja de las nuevas tecnologías y los medios digitales. Esto le ha permitido "expandirse" e hibridizarse con otras disciplinas, cambiar de escala, intervenir espacios urbanos, funcionar como registro de situaciones, desastres o conflictos y, en consecuencia, convertirse en una delas prácticas artísticas más interesantes del Arte Contemporáneo."



Una de las prácticas artísticas más interesantes del Arte Contemporaneo, puede serpero las razones que da a mi me parecen equivocadas. Decir que una disciplina artística redefine de "manera transgresiva" algo  es ser enormemente optimista porque desde el agotamiento de los movimientos de Vanguardia ya no hay nada de transgresivo en el Arte que no sea rutina generalizada o que no sea  una representación hiperreal de la transgresión. Además, que esa transgresividad recaiga en la posibilidad del multiple, cuando esto es lo que ha definido tradicionalmente a la gráfica, resulta pasmoso. La expansión e hibridación de la gráfica es la expansión e hibridación que ha sufrido todo el arte plástico tradicional en el siglo XX, y más bien se podría decir que la gráfica ha sido de las últimas en apuntarse a esta moda y jerga Postmoderna. La conclusión, que la gráfica es una de las prácticas más interesantes del Arte Contemporaneo, dicha por una practicante de la gráfica suena como cuando de pequeño al ir el primer día de curso a clase cada profesor nos contaba que su asignatura era de las más importantes que teniamos.

 Sin embargo comparto algo de lo que dice Candiani: la gráfica se ha redefinido, pero lo ha hecho a pesar de haber mimetizado todo ese movimiento de igualación sufrido por las prácticas artísticas. Para mi el interés de la gráfica dentro del arte contemporaneo radica en que no ha perdido su caracter artesanal, la importancia de su materialidad, su tactilidad y el placer psicosomático de su práctica. Es la manera artesanal y física de hacer múltiples, esa es su especificidad y su atractivo, tanto para el productor como para el espectador. Es decir, la tradición gráfica como opcción adquiere un nuevo significado dentro de las prácticas del Arte contemporaneo, que en general se han desmaterializado, Hipertecnologizado, hibridizado, etc. De ahí viene en mi opinión el interés renovado por la Tipografía Artesanal, por la Litografía sobre Piedra, por la fotografía artesanal incluso, y otras prácticas que parecían estar dando sus últimos coletazos antes de su desaparición completa.  Pero en vez de eso se benefician de un interés renovado, renacen...  ¿Por qué?  Porque en la grafica, como en la pintura y otras disciplinas, se mantiene una escala de actuación física que, en la medida en que se convierte en una elección del artista y no en una condición inevitable, puede significar algo genuinamente nuevo.


Templanza, Linografía iluminada.

 Aunque esto, dicho por un practicante de la gráfica, suene también enormemente optimista.

sábado, 1 de diciembre de 2012

Aura Liquida (2)

Tenemos pues un arte Aurático y un arte Postaurático. Desde la óptica continuadora de las ideas de Benjamin, el aura tendría que haber desaparecido, después de que los medios de reproducción se han difundido masivamente. Pero parece claro que no ha sido así. Con la irrupción y generalización del uso de las nuevas tecnologías digitales tendría que haber finalizado este proceso y la muerte del Aura tendría que haberse podido constatar. Sin embargo, y ya desde un principio, el Aura se ha resistido ha desaparecer, incluso los nuevos campos del Arte definido como Postaurático han mimetizado estrategias para "Auratizarse". Ya el mismo Benjamin, en su ensayo "La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica" nos pone el primer ejemplo, y nos  advierte que el cine, un arte postaurático, inagura estos intentos de sustituir la ausencia de Aura:

" A la mengua del Aura le responde el cine produciendo una construcción artificial de la personality fuera del estudio. El culto a las estrellas fomentado por el capital cinematográfico conserva aquella magia, emanación de la personalidad, que hace ya mucho tiempo que consiste solamente en la magia desmedrada de su carácter de pura mercancía" (1)


 En general, tanto en el arte tradicional como en las nuevas prácticas del siglo XX, podemos encontrar formas de  "Transferencia aurática" que tratan de suplir esta anunciada mengua del Aura.  En las Performances, Happenings o instalaciones la desmaterialización de la obra de arte y la consiguiente imposibilidad de producir un objeto único,original y auténtico se suple muchas veces con la producción de una acción/actuación única(Performance), de una configuración  espacial única (instalación) o de una cooperación entre arte y público irrepetibles(Happening), o al menos este es el objetivo. La originalidad, unicidad o autenticidad son transferidas del objeto al contexto.  También desde el arte plástico toda esta experiencia del arte de acción es aprovechada con el fin de que, si no en el objeto, si en la exposición se pueda preservar la idea de lo irrepetible, original y único. No es extraño ver exposiciones de pintura en las que la configuración de los cuadros se acerca al concepto de instalación, donde la experiencia estética no esta en la contemplación de cada cuadro, sino en la idea de que el todo es más que la suma de las partes, generando así una obra que es el conjunto de todos los cuadros, y que se convierte en irreproducible. Por supuesto se pueden fotografiar los cuadros, pero al producir un aquí y un ahora tridimensional e interelacionado la experiencia de la exposición resulta muy dificil de reproducir:








Estas son dos fotografías  que  reproducen de manera parcial  la exposición actual del pintor Joseba eskubi en  la Galería Alegria, muestra que es un ejemplo que se acerca a la idea de "configuración aurática".

 El Performance ha sido incluido tambien en las exposiciones de pintura, sobre todo con variaciones diversas de acction painting. Así podemos ver exposiciones donde se pinta en directo, y donde la sinergia entre público y artista es uno de los factores fundamentales para producir la obra e incluso la propia exposición (es decir, el propio público es parte de la obra). Olga Schäfer es una artista colombiana que practica, bajo el sobrenombre de Adadripping, este tipo de Performances pictóricos:




                            Aquí un ejemplo de Ada en acción en el primer video.




Tambien en la plástica se ha aprendido del cine, del Star System para ser precisos. Dali o Warhol son ejemplos de artistas que aspiraron a ser estrellas artísticas a la manera de las estrellas cinematograficas. Damian Hirsth, Jeff Koons o Tracy Emin serían  ejemplos contemporaneos, porque en definitiva se diría que lo que importa de ellos no es su obra, sino ellos mismos como figuras públicas de culto, que el Sistema del arte nos ofrece como sustituto del valor de culto que tenia el arte aurático. Y hay que decir, siguiendo a Benjamin, como sustituto que consiste solamente en una magia desmedrada de su carácter de pura mercancia.


Aquí Tracy Emin en una de sus muecas preferidas

Pero el panorama actual en el que el Aura sigue viva no se limita a esto, esto serían ejemplos concretos de "resistencia". Dentro de lo teórico habría que explicar que el momento actual del Aura se corresponde con el panorama más general del tipo de sociedad en la que estamos, pues tal como advertía Benjamin no se puede desligar el Aura del contexto social en el que se produce. En el pasado pre-Moderno el Aura tiene un sentido vinculado al culto, un valor de culto. En la modernidad el valor de culto es progresivamente sustituido por un valor de exhibición. La Postmodernidad nos propone un arte Postaurático, que fluctua entre la militancia política y el simulacro Aurático con fines mercantiles y fetichistas. ¿Y qué tenemos ahora? AL parecer la Postmodernidad pasó, y con ella la posibilidad de seguir pensando en tiempos, pre, neo y post, es decir, en discursos lineales que presupongan una jerarquia  o una evolución que va desde el pasado hacia el futuro, haciendo siempre preferible todo lo Neo o Post; ahora el prefijo utilizado es  Trans- o Hiper-, por lo que podemos elegir estar en una Transmodernidad o una en Hipermodernidad. Para entendernos diremos, hegelianamente hablando, que estamos en una segunda modernidad, que nace fruto de la asunción de las críticas Postmodernas al proyecto moderno y, por lo que respecta a estas lineas, que son tiempos Transauráticos.

Un tiempo Transaurático nos sirve para explicar que en el panorama del Arte Contemporaneo todas las opciones son legítimas como punto de partida, y que el hecho de que exista un Arte sin Aura no invalida o condena a la obsolencia al arte que pretenda seguir siendo Aurático. Simplemente constatamos la coexistencia: el Arte aurático sería un arte en el que la diferencia entre original y reproducción sigue existiendo, no ya como una condición inevitable, sino como una elección del artista, y en el que se mantiene el prestigio de lo único.

A la vez tendríamos un arte Postaurático, en el que establecer la diferencia entre original y reproducción resulta dificil o imposible, también como fruto de una elección del artista.  Dentro de este Postauratismo siguen estando los herederos o continuadores de las teorías de Benjamin y su enfoque sobre todo político, que no se conforma con cuestionar las categorías de original y reproducción, sino que van mucho más lejos y cuestiona tambien la distinción entre productor y consumidor, o entre artista y público, proponiendo términos como el de Prosumidor.

Sorprendentemente también hay una postura teórica que reclama que en el arte en el que no hay diferencia entre original y reproducción aún así hay Aura. Así nos lo explica Margarita Rodriguez Ibañez en su libro Cómo la Red ha cambiado el Arte:

  "El "aura" de la obra de arte, planteada por Walter Benjamin en 1936, obtiene una nueva dimensión con la imagen digitalizada, puesto que la imagen y la copia son idénticas. Douglas Davis, a este respecto, comenta que la obra de arte digitalizada es "fisica y formalmente camaleón", ya que persiste el aura, tanto en el original como en la copia, al ser transferido su "poder de una a otra". Por medio de esta reflexión, la obra es siempre originalmente-multiple, existiendo una idea del original en todas sus copias o reproducciones." (2)

Esto es rizar el rizo, y también es, respecto a nuestros intereses claramente decantados por el Grabado y como éste se inserta en la actualidad, una respuesta a la pregunta que podríamos hacernos sobre si en la gráfica hay algo que pudiera ser Aurático; y si, así es en la medida en el que la gráfica produce una obra siempre originalmente-múltiple.





(1) Benjamin, Walter.Obras, libro 1/vol.2. La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica Abada editores.Madrid 2008. Pag. 69.

 (2) Rodriguez Ibañez, Margarita. Cómo la Red cambió el arte. Ediciones trea, Nuevas perspectivas. Pag. 216.