sábado, 24 de diciembre de 2011

Otra Posibilidad:La independencia de la matriz

Que la matriz se pueda exponer,que sea la "verdadera obra", o que al exponerla sea considerada más interesante que la estampa es una circunstancia que cíclicamente se plantea en el mundo del grabado. No quiero decir con esto que haya reuniones donde los grabadores hablemos de si hemos de exponer o no las matrices, o si dentro de la gráfica habría que expandir las investigaciones a las matrices como objetos artísticos independientes, sino que entra dentro de lo probable que desde hace años a cualquier practicante de esta disciplina se le ocurra tirar del hilo de la matriz...
Personalmente esto me ha planteado problemas de definición (¿Qué es o donde está "la obra"?), pero también la sensación de que si quisiera trabajar de manera independiente la matriz me habría dedicado a la escultura... Esta postura implica una visión clásica de las disciplinas artísticas como campos separados que ahora no es más, ni menos, que una decisión personal de cada artista. Esto se refleja en todo el sistema del arte, pienso por ejemplo en cómo ha cambiado la enseñanza superior de las Bellas Artes, que ha pasado de tener especialidades separadas (escultura, pintura, grabado, imagen, restauración,etc.) a tener itinerarios personalizados para cada individuo... Y siempre que hay opciones hay un significado en la elección, puede ser estético y/o ético...

Mi rechazo inicial a la independencia de la matriz se ha visto matizado por el propio devenir de mi trabajo. Ahora me parece posible plantear en mi obra la independencia de la matriz, una matriz que podría ser imposible estampar o incluso una matriz-estampa que pudiese seriarse, sintetizando así características de ambos campos (Matriz-estampa). Y aquí se abren varias posibilidades que me gustaría explorar, partiendo siempre de la importancia de la artesanalidad en la factura y de su significado como elección. De la mezcla de ambas cosas pretendo poner algo de relieve, ya veremos con que éxito...
Por ahora, aquí va mi primer intento;no tiene título, pero el tema es El arte como construcción conceptual o del lenguaje. Lo que quiero significar es un espacio flotante donde los conceptos se interrelacionan, surgen o caen en desuso.
Técnicamente se trata de un relieve hecho a partir de lo que sería una matriz Xilográfica,entintado con 5 tintas como si fuese una matriz, pero ya imposible de estampar, y sin la necesidad de invertir la imagen. Las medidas son 115x102x3 CMS.



miércoles, 14 de diciembre de 2011

Comics cómicos

Una de las posibles derivas artesanales del grabado sería la realización de un Cómic. Esto, como lector de comics desde pequeño y grabador en la actualidad, tiene para mi gran interés. A veces, con determinados autores de cómic o humoristas gráficos, me ha parecido que su tratamiento de las sombras se acerca mucho a la concepción de la talla en relieve:


Esta por ejemplo es una viñeta de un comic del Cubri ( http://es.wikipedia.org/wiki/El_Cubri)


He realizado varios intentos en este sentido-hacer un cómic- el primero de ellos junto a Carmen Castellvi Jiménez, artista grabadora. En ese primer intento el cómic se concretó en una única estampa, a manera de Auca, con las aventuras de un súper héroe al que llamamos Súper Artesano man. La técnica: Linografía iluminada. La dinámica fue hacer una viñeta cada uno e ir avanzando así en el argumento. El resultado no fue muy brillante, pero al menos me hizo consciente de los principales problemas a los que tenía que enfrentarme:



La temporalización, maquetación, el tiempo de talla y, lo que encontré más difícil, la inclusión de los textos… Una parte de los textos la grabamos, pero eso nos pareció muy costoso, y la otra, la del interior de los globos, la escribimos a mano, pero el resultado no nos satisfizo.

El segundo intento lo tallé solo, el argumento fue mío, pero también hubo en parte una colaboración con otro artista, esta vez no un grabador, sino un Performer cibernauta, por decirlo así, Yrealidad, del que cogí su iconografía. Linografía iluminada de nuevo, pero además Litografía, transfer y collage para los textos. Estas tres últimas técnicas me abrieron un abanico de posibilidades para combinar con la talla de texto en el Linóleo, aunque no obtuve la soltura que creo tendría que alcanzar entre texto e imagen. El formato 4 estampas de 63 x 90 CMS:




Ahora estoy en el tercer intento de Cómic, en el que continuo con el proceso de hallar un campo intermedio entre mi obra anterior y este formato. El personaje principal es un lobito: “Lobito Malo”, ya veréis por qué, y el argumento gira en torno al mundo del arte. La técnica de dibujo vuelve a ser Linografía. He pensado en ir publicando en el Blog las viñetas a medida que las vaya haciendo, un Work in progress. El formato no está definido, no se si de nuevo serán estampas o bien un conjunto flotante de viñetas, o quizá un “cómic de artista”, eso espero definirlo sobre la marcha. Quizá varios de ellos a un tiempo…

A continuación las primeras viñetas, que, usando un término propio del grabado, hay que considerar como pruebas de estado:







martes, 6 de diciembre de 2011

Originalidad 3

Encontrar indicios del valor conflictivo que se le concede a la originalidad en la obra gráfica no es difícil. En la actual exposición en el museo de grabado de Fuendetodos, cuyo título es precisamente “Obra gráfica original”:

http://sobregrabado.blogspot.com/2011/12/exposicion-de-grabado-y-obra-grafica_4261.html

El texto introductorio de la muestra nos advierte:

“El término Obra gráfica original alude, según los organizadores, a que se trata de "obra de carácter múltiple que utiliza para existir técnicas muy específicas del arte gráfico", y además "no está supeditada ni definida en función de otra obra, sino creada bajo particulares reglas que son propias de este lenguaje artístico".”

Se hace necesario fijar, por su carácter ambiguo, que entendemos por original. Pero por otro lado la gráfica se ha expandido en nuevas técnicas y enfoques, donde establecer fronteras resulta difícil. De ahí la necesidad de las definiciones, la necesidad de discriminar. Como dije, de facto uno puede ir de galerías y encontrarse con tantas variaciones que resulte imposible fijar un campo común para toda la gráfica, salvo comprobar que se suele tratar de series y que éstas están numeradas y firmadas por el artista. Existen casos históricos que han representado puntos de inflexión en la consideración de lo original. Pienso en Andy Warhol (http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol) y en sus inacabables series de Litografías y Serigrafías…






Si atendiésemos al rigor de las definiciones de originalidad planteadas por Lebourg y el sindicato francés de estampadores ¿Podría considerarse la obra de Warhol original? En la Serigrafía o en la Litografía los procesos fotomecánicos son habituales, y en el caso de Warhol es sabido que además él no supervisaba todas las series que firmó… Pero la legitimación de Warhol está ya más allá de las definiciones, está en el valor de Mercado que su firma convoca.
Una de las razones del estrés al que el concepto de originalidad está sometido está en el Mercado del Arte. No es la única razón, pero si la menos comentada. Hacer reproducciones Litográficas, serigráficas o –ahora- digitales, y llamarlas simplemente grabados, Litografías o serigrafías, evita el engorroso problema de que el artista tenga que saber hacer obra gráfica (no olvidemos que tradicionalmente en Europa el grabado ha sido considerado un arte menor y su función ha sido hacer reproducciones, no originales, y que cuando en el siglo XX ha subido de categoría no ha dejado de ser una manera de ofrecer al Mercado del arte obra de artistas a precios más baratos), y evita el caro proceso de una estampación artesanal lenta y costosa… Cuando la Litografía pasó a ser una forma de estampación barata y mecanizada la reproducción litográfica fue vista como una manera de ofrecer “Obra gráfica” a precios baratos en los grandes almacenes. De hecho aún hoy se puede ir a un gran almacén de decoración de interiores y ver “Litografías” de este tipo. Es decir, reproducciones litográficas numeradas y firmadas que pasan como obra gráfica original. Las consecuencias que a la larga estas confusiones interesadas han tenido las he sufrido en mi experiencia personal como artista, ya que una de las dificultades mayores que he encontrado en la Litografía no ha sido hacerla, sino venderla: Los distribuidores a los que se la ofrecía no querían trabajar con ella porque, fijaos, tendrían que estar continuamente explicando a los compradores que se trataba de obra gráfica original, y no de reproducciones…
Las razones económicas dentro de las dinámicas del Arte están muy mal estudiadas. Sospecho que el “Sistema del Arte” no está interesado en este tipo de indagaciones. No me refiero a las cotizaciones de Mercado de los artistas famosos, eso es muy visible gracias a los media, me refiero a cosas como la incidencia sobre los estilos artísticos del exceso de oferta en el mercado del arte (citada en La Invención del Arte de Larry Shinner, Paidos Iberica 2004), o la relación entre El desarrollo del Mercado del Arte en el siglo XX y el desarrollo de movimientos artísticos, ideologías y roles (en esto hay más bibliografía, La palabra pintada, de Tom Wolfe, por ejemplo, aunque no se centre en los aspectos económicos). Me refiero también a estudios de orden académico que relacionasen la ambigüedad líquida que tanto conviene al Mercado del Arte con la abolición continua de fronteras en la Teoría del Arte Contemporáneo… ¿Sería posible establecer una relación? Creo que el estudio de la originalidad en la gráfica, su significado para el Mercado del Arte y la disolución de sus fronteras como definición podrían ser un buen ejemplo de este tipo de relaciones.

Y para terminar otro video de uno de mis artistas favoritos, Tom Waits, esta vez dedicado a la atención de Luisa, que de vez en cuando se toma la molestia de leer este Blog.


lunes, 21 de noviembre de 2011

Originalidad(2ª parte)

La peculiaridad de la estampación es un detalle de la originalidad en el grabado. Un detalle físico que trata de negar la igualdad entre los ejemplares estampados de una misma matriz... En realidad, a pesar de lo dicho antes (en Originalidad primera parte), en la mayoria de ediciones las diferencias son mínimas, la intención en la estampación es la misma, y no por ello se considera menos original una edición de aspecto uniforme que una claramente diferente en cada una de las estampas.. . Hay que hacer hincapie en que se significa cuando se dice que cada estampa es original, esto es: Que podemos atribuir el origen de cada estampa a la "mano" del artista. Pero mejor que mano será voluntad o quizá decisión. Cada estampa tiene su origen en las decisiones y la voluntad del artista, que si bien no entinta o estampa cada prueba supervisa todo el proceso. Podriamos decir que lo que el artista ha de hacer-al menos- es dibujar la matriz... Nicole Lebourg, en su libro Curso de Grabado ( Editorial de Vecchi, S.A.) proporciona un marco para fijar unas características concretas que ha de cumplir la obra gráfica, y también las comenta. Las características propuestas son las que definió la cámara sindical de la Estampa, el Dibujo y el Cuadro y el comité SAGA en 1996 en Francia, para distinguir y definir una Estampa original de otra de Interpretación u otra deRreproducción. Así una estampa original es aquella que se deriva de la estampación de una matriz grabada por el autor bajo la supervisión del propio autor. Una estampa de interpretación es aquella en la que la estampación no ha estado bajo la supervisión del artista, o incluso este ni siquiera grabó la matriz. Y una estampa de reproducción se da cuando por un medio fotomecánico o digital se reproduce y transfiere a una matriz un dibujo, pintura, etc, sin más, simplemente. Aquí lo único que hace el artista es, cuando lo hace, autorizar la reproducción. Hasta aquí el marco teórico(en realidad Lebourg especifica más y comenta algunas características concretas para recalcar su importancia o manifestar su desacuerdo). A cualquiera familiarizado con la gráfica contemporanea no se le escapará lo restrictivo de este marco, y cómo en la realidad se es mucho más flexible en la consideración de lo original. Un observador imparcial podría incluso llegar a la conclusión de que lo realmente imprescindible para que una obra gráfica sea tenida por original es que esté numerada y firmada por el artista, y nada más, siendo todo lo demás accesorio... ¿Y por qué podría pensarse eso?...
Mientras lo pensamos, un poco de Tracy Chapman y su magnifica Subcity:


miércoles, 16 de noviembre de 2011

Colección Ladrús de Grabado Iberoamericano

Este mes participo en la exposición de grabado de la colección Ladrús de grabado Iberoamericano que tiene lugar en la Universidad de Huelva. Os pongo  la noticia ,en la que se puede ver la obra con la que gané la 4ª edición del Certamen de grabado Iberoamericano Ladrús, y que desde entonces pertenece a su colección:



2011.11.07

Exposición: "Colección Ladrús de Grabado Iberoamericano"

Imagen grabado.jpg


EXPOSICIÓN COLECCIÓN LADRÚS DE GRABADO IBEROAMERICANO
Del 9 de noviembre al 25 de noviembre de 2011
Sala de Exposiciones de la UHU - Dr. Cantero Cuadrado, 6
Entrada libre
Inauguración: Miércoles 9 de noviembre a las 11 horas.

La Colección LADRÚS de Grabado Iberoamericano constituye una valiosa herramienta para recorrer las más variadas técnicas de esta disciplina artística, el grabado, en el ámbito geográfico de Iberoamérica. 

Por otro lado, la diversidad de procedencias de las obras y las distintas incorporaciones anuales hacen de esta colección una de las más interesantes y solicitadas en su especialidad. No cabe duda que sus itinerancias ayudan a divulgar a los autores que la integran cumpliendo uno de los objetivos que la empresa LADRÚS mantiene como compromiso en tanto que patrocinadora del certamen. La Universidad de Huelva y la Fundación Caja Rural del Sur constituyen pilares básicos para desarrollar este certamen.

Treinta y cuatro artistas se integran actualmente en esta colección siendo su procedencia México, Brasil, Nicaragua, Costa Rica, Perú, Argentina, Puerto Rico, España.
 

lunes, 7 de noviembre de 2011

Originalidad (primera parte)

Una de las convenciones mistéricas de la obra grafica es su condición múltiple y a la vez original. Con esto me refiero al hecho de que un grabado consiste en una serie de estampaciones de una plancha o un conjunto de ellas, que son numeradas y firmadas por el autor: Lo que se llama una edición. Una edición consta de un nº determinado de ejemplares, en la actualidad en el contexto español y artístico “serio” no más de 100. Están además las pruebas de Artista(P.A.), los hors comerç(H.C), las pruebas de color y de estado(P.C. y P.E.) que también se numeran o al menos están sujetas a una convención sobre su nº (Las P.A: y los H.C. suelen ser un 10% sobre el nº de la edición. Además está la prueba buena para el tiraje (B.A.T.), la nomenclatura en números romanos (que indica una característica especial dentro de la propia edición a la que se le supone una mayor calidad, el papel por ejemplo es una de las variaciones más habituales)… Esta lista no es exhaustiva, pero da una idea de que el nº total de estampas de un grabado es alto, no se trata de una obra única, y sin embargo se considera, en el medio de la gráfica artística, que cada ejemplar es original, y no una reproducción. No se trata de copias… A primera vista esto parece absurdo.
¿Cuáles son las razones aducidas para considerar cada ejemplar original? Una razón explicada con frecuencia es que cada estampa es sutil pero perceptiblemente distinta. Esto es así porque el entintado de la estampa es manual. Bien, lo primero que habría que decir es que no siempre el entintado o la estampación de un grabado es manual, pero salvando esto, si nos centramos en la gráfica tradicional, parece una razón válida. Curiosamente este reducto de “Lo original” en muchos casos no es atribuible al artista, pues es frecuente que el artista no entinte ni estampe el grabado, y delegue esta tarea en el estampador. Para no incurrir en incoherencias, esta originalidad permanece en el Artista debido a que el estampador entinta siguiendo las directrices del artista, o así debiera ser en teoría. Un entintado manual puede variar enormemente el aspecto de una estampa, incluso en el caso de grabados de una sola plancha con diseños no demasiado complejos. Un ejemplo es el último trabajo que he estampado para el Artista Juan Escudero. Un aguafuerte de línea. En las tres imágenes siguientes se puede ver con claridad que pasa si no se acaba de limpiar la plancha del todo y se deja un velo, se deja un velo intencionado, o bien se limpia el velo del todo.








Es un ejemplo sencillo, pero da una idea de la importancia de la estampación y de su enorme variabilidad. Existen artistas que producen ediciones cambiando extraordinariamente cada entintado (entonces suelen entintar ellos mismos, o dan al estampador una pauta flexible de variabilidad, por decirlo así), un caso histórico de lo descrito serían los grabados de Edward Munch.
Sin embargo lo habitual es producir ediciones donde la intención del entintado sea siempre la misma, y las diferencias sean mínimas.
Desde un punto de vista teórico esto se puede problematizar, no hay duda,pero para esto mejor una segunda parte.

sábado, 22 de octubre de 2011

Una buena noticia

Pues si amigos, de vez en cuando me seleccionan en algún concurso, o hasta lo gano y todo... Esta vez en Xativa, en su XI Bienal de grabado Josep de Ribera, me han seleccionado para participar en la exposición y formar parte del catálogo, con esta obra:


Es una Xilografía de 100 x 70 CMS de mi serie Teorías del Arte, en la que aún estoy en pleno desarrollo.

lunes, 10 de octubre de 2011

¿Grabado Postmoderno?

Transgredir los límites es una de las prácticas básicas de la Modernidad, que en las vanguardias históricas adquiere su expresión final, entendiendo por expresión final el momento en el que ya es posible la abolición de todas las fronteras. El artista no tiene límite alguno, salvo el que fija su propio programa de construcción de una artisticidad concreta. Esta liberación se ha convertido hoy en una rutina, en un requisito, como en la época de la academia podría serlo el dibujo de la correcta anatomía. Los istmos “revolucionarios” se sucedieron en el siglo XX a una velocidad comparable a las revoluciones que nos ofrece Internet con sus nuevas formas de socialización y liberaciones varias. Liberación de la información, liberación de la conducta, donde todos podemos elegir Rol, convertirnos –siguiendo de nuevo a Baudrillard- en simulacros hiperreales inmersos en todas las “segundas vidas” que se nos antojen, adoptar por fin la personalidad anhelada, pertenecer a las redes sociales que más se adapten a nuestros fugaces deseos, y ser alternativamente solidarios, Hackers, compradores compulsivos en una subasta tras otra, consumidores de porno a la carta… El éxito de Internet, nos advierte Bauman, no es la facilidad para establecer vínculos, sino la facilidad para romperlos sin consecuencia alguna: Si no te gusta cambia de página, “surfea”, explora otro hipervínculo… Afectos virtuales, suma de la inteligencia de todos nos dicen entusiasmantes, creación por fin del conocimiento colectivo, pero también suma de la estupidez globalizada, apoteosis de la banalidad y el chismorreo…
Mundo de hibridaciones sin fin, de posibilidades abiertas, de redefiniciones y construcción continua de narrativas. Las narrativas son demócratas, el discurso excluye ya desde su artículo determinado; Así que la gráfica se deja también llevar por el contexto y emprende los caminos del Arte contemporáneo. ¿Gráfica Postmoderna, gráfica liquida, imposible de fijar? ¿Es ya “cualquier cosa” un grabado? La matriz pierde su materialidad, se hace virtual y elige diversos formatos para convertirse en Mercancía museizable. La estampa desaparece, la reproductibilidad que mágicamente conservaba el Aura y la originalidad se pierde en un juego de espejos que se prolonga aparentemente sin fin, en una reflexión para colgar en las paredes y adaptarse a diversas disposiciones, siempre sensible al espacio expositivo, tan brillante como el último soporte de moda para el libro de artista (¿Aluminio, Metacrilato, fotograbado sobre acetatos superpuestos?)
Redefinición entonces de la artesanalidad de los procesos tradicionales, porque si una imagen puede concretarse sobre cualquier soporte sin necesidad de manualidad, si la imágen puede ir desde nuestro PC a la galería, el hecho de escoger un método tradicional ¿No se torna significado? ¿No es este un caso en el que el medio se vuelve narrativa, y la elección del medio parte del mensaje? Última liberación convertida en Mensaje de tactilidad también hibridizada, que puede referirse a la reactualización de diversas herencias de la historia del arte gráfico: Explosión del libro de Artista desligado incluso de todo contenido, del Tag Xilográfico en las paredes suburbiales, del cómic grabado, de la matriz autónoma imposible de estampar… Territorios donde la construcción del significado descansa en parte en la experiencia del propio proceso, en su concreción artesanal, en el contacto material... Y de nuevo solidez, solidez rescatada como una opción narrativa, de una yoga que se apoya en la construcción táctil de la matriz, manualidad interpretada como escala básica de la percepción humana. Arte inscrito en una cultura material en la que la artesanalidad es una elección que ya no pretende centralidad alguna… ¿Ritualización del proceso, mistificación romántica del artista en el taller cuando ya el taller es visto casi como un peso muerto, como una renuncia de nuevas posibilidades? Pero también una ética de lo que significa la actividad del artista.

Y ahora, un poco de Jazz, Coleman Hawkins, Love song from Apache:


lunes, 3 de octubre de 2011

Empezemos...

Como ya dije el nombre del Blog se refiere al Éxito de un pensamiento enunciado por el sociólogo Zygmunt Bauman que es el concepto de Modernidad Liquida, que sería otra manera de nombrar el actual momento social en el que estamos, aunque realmente es muy difícil saber donde estamos... El otro día me enteré de que ya estamos en una segunda modernidad, dejando con ello atrás la Modernidad y la Postmodernidad... No hay que preocuparse por esto, ya Lyotard advierte en su libro La condición Postmoderna, que si bien se puede escribir sobre unas características "x" o tendencias sociales, no es toda la sociedad la que al unísono se encamina hacia ellas, de modo que habrá quien esté en la Postmodernidad, en la Modernidad, o puede que incluso en la Edad Media. Bauman encontró más adecuado llamar a la Postmodernidad Modernidad Líquida, entendiendo con ello que la Modernidad consta de varias etapas y aún no ha acabado:

• La primera, una Modernidad Sólida, en la que Occidente vivía el sueño de la emancipación del espíritu humano por medio de la razón, lo que sería el proyecto ilustrado.
• La segunda, una Modernidad Líquida, en la que el proyecto ilustrado sufre un gran descrédito, tanto en sus aspectos filosóficos como en la realidad social que ha vivido Europa durante el Siglo XX, con las 2 grandes guerras.

La Modernidad Líquida se caracteriza por una relatividad marcada de los valores éticos, por una ausencia de referentes fijos... El trabajo, la identidad individual, todo parece volverse cambiante, y por supuesto el Arte no escapa de este proceso. Así llegamos a la posibilidad de un Arte Líquido, un arte reflejo del momento actual y sus valores. Existe un libro de la editorial Sequitur cuyo sugerente nombre es precisamente Arte,¿Líquido? De Zygmunt Bauman. Se trata de un conjunto de pequeños ensayos de Bauman y otros autores, así como una entrevista a Bauman. Este libro tiene la particularidad de no limitarse a explicarnos qué piensa Bauman sobre el Arte contemporáneo, y cómo este se ha redefinido a partir del momento histórico en el que estamos, también da voz a quienes disienten sobre lo que argumenta Bauman, empezando por el propio editor, que firma el Epílogo... Lo más interesante sin embargo es la inclusión en el libro de una carta del pintor Herman Braun-Vega, en la que Vega se queja de la superficialidad con la que, según él, Bauman pone como ejemplo de Arte Liquido a sus cuadros, y cómo, al intentar por medio de cartas que Bauman cambie lo dicho sobre su obra, el sociólogo no hace ni caso... Esto me hizo pensar en otro libro, donde otro malentendido se pone de relieve, pero en sentido inverso. Este segundo libro se titula El complot del Arte, cuyo autor es jean Baudrillard. Se podría decir que en Bauman es el Arte el que se queja de ser tratado superficialmente, de ser usado sin ser consultado. El caso de Baudrillard es justo el contrario, porque es el filósofo el que se queja de haber sido malinterpretado por los artistas. Ambos casos tienen en común el hecho de que un concepto de gran éxito está de por medio (en el caso de Baudrillard su concepto de Simulacro, en el caso de Bauman su exitosa Modernidad Líquida).
A mi la verdad es que Bauman no me convenció, y sobre todo en los ejemplos que pone (ya lo explicaré otro día), pero, como en el caso de los artistas que usaron el Simulacro de Baudrillard, me pareció que aún así un arte líquido, o un grabado líquido, es una metáfora inspiradora, incluso aunque no sea cierta. Así un grabado Líquido es el reflejo de un Arte de fronteras difusas, caracterizado por una reflexividad que se vuelve sobre si misma para considerar todo el proceso del Arte y todas las elecciones artísticas como algo significativo que necesita ser explicado.
Y así podemos llegar hasta aquí y preguntarnos de qué manera el mundo del grabado a pasado de una Modernidad sólida a una Modernidad líquida...


sábado, 16 de julio de 2011

Ya tengo Web!!!!

Estas dos últimas semanas he estado construyéndome una web. Para ello he ido a un cursillo en la Associacio d'artistes visuals de Catalunya. El objetivo del curso ha sido salir de él con una Web montada. El programa usado ha sido Indexhibit, que, se podría decir, es útil para tener un portafolio On Line. He añadido el enlace en un nuevo apartado a la izquierda titulado Webs. Bien, considero lo logrado un mínimo del que partir, tanto a nivel de contenidos como de diseño. En mi web podreis encontrar una información más extensa de mi trayectoria y una mayor cantidad de obras para ver. Espero que os guste.
La semana que viene retomaré la actividad de este Blog, tengo pensado algún texto en torno al concepto de originalidad, ya veremos. Mientras, un video de Leonard Cohen con un clásico suyo, Chelsea Hotel:


miércoles, 29 de junio de 2011

Hablando de expos

Yo también participo en una, que se inagura mañana mismo. He aquí la tarjeta del evento:



Como veis se trata de la galería EspaiB, cuya web es: http://www.espaib.com/. Allí podeis ver la información completa de la expo, dirección, fechas, horarios y participantes. De todos modos, para quien quiera pasarse mañana a la inaguración, es en la calle Torrent de la Olla 158, metro Fontana. Nos vemos y hablamos un ratito ¿eh?.

jueves, 16 de junio de 2011

Exposiciones

Exposiciones de grabado en Barcelona no hay demasiadas. Ahora mismo, por ejemplo, debe haber 3 o 4. Ya lo miraré… Hace un par  de semanas fui al MNAC a ver las dos exposiciones temporales que hay actualmente. Una  es de Courbet y su influencia en Catalunya. Realismo(s).La huella de Courbet. La exposición desgrana una serie de secciones (el retrato, el autorretrato, el desnudo) y confronta cuadros de Courbet con los de artistas locales que fueron influidos por el concepto de realismo implícito en las representaciones de Courbet.

Este es uno de los Courbets presentes en la muestra:


Painting - Le Sommeil (The Sleepers) by Gustave Courbet



 El contexto histórico y el hilo argumental están bien explicados, y la selección de cuadros permite ver la más que evidente relación entre Courbet y los otros pintores.
 La ultima sala trata de contextualizar en la actualidad la pervivencia del realismo como concepto, nada menos que a través de cuadros de Antoni Tapies… Hombreeee, me parece que estos comisarios podrían haberse arriesgado más, y a la vez ser más oportunos, buscando ejemplos de artistas más jóvenes que fuesen herederos más directos de lo que ahora supondría la actitud de un Courbet del siglo XXI, y aquí mismo en el ámbito catalán, porque en la pintura contemporánea sigue habiendo cultivadores de esa actitud de fidelidad naturalista en la representación, podríamos decir, pero precisamente transformada por la idea de lo que ahora supone ser “realista”...  Lo de Tapies me parece muy cogido por los pelos, es como si dijesen, fijaros, hasta un pintor abstracto hace concesiones a la representación figurativa, pero ¿Es esa una actitud de representación realista? Cierto que en Tapies hay una realidad extrema, explicita en algunos de sus trabajos,  la de la renuncia a la representación visual, y así un cuadro con una mancha marrón puede titularse “mancha marrón” ¿Qué hay más real que eso? Pero esto se da en un rechazo frontal a la tradicional función de representación en la pintura. Sin embargo no toda la obra de Tapies responde a esta intención. En muchos de sus cuadros pervive la representación, cierto, pero de eso a incluirla en una exposición sobre Courbet y el realismo…  Me parecen más acertados los antecedentes, y me parece que hubiese sido posible ligar este realismo de la pintura del siglo XIX con el realismo de la pintura actual de otra manera.



También vi la exposición dedicada a Joaquín Torres-García: Joaquín Torres-García en sus encrucijadas.  Este es un pintor que se puede decir que me gusta mucho, pero a la vez siempre que tengo la oportunidad de ver algo suyo me quedo insatisfecho, pensando que eso que veo no debe ser lo mejor de su obra. Torres-García fue un pintor con dos estilos muy claros, uno neoclásico en su primera época y otro, el más conocido supongo, el estilo constructivo. En la facultad, en las clases de dibujo, alguna vez se nos puso a Torres-García como ejemplo, en su faceta constructiva, de un acercamiento distinto en la composición del dibujo, y en que aspectos fijarnos a la hora de componer. Por eso me gusta. Conceptos como Ritmo o Repetición son importantes pero sobre todo explícitos. Esta exposición recorre a través de sus dibujos, sobre todo dibujos, ambos estilos y el paso de uno a otro. Algún cuadro. Y de nuevo la misma sensación… Si, los dibujos son el proceso, el proceso es importante, y hay algún cuadro… Esos dibujos, que son cómo apilamientos y repiten unos pocos motivos… ¿No se aburría? ¿No son excesivamente simples?... Por si acaso al llegar a casa lo intenté yo mismo, a ver que se me escapaba. He aquí el resultado:



Bueno, pues no es tan fácil cómo parece. Realmente no hay nada como intentar algo para ver que donde radica su dificultad. Torres-García desarrolló un sutil concepto del equilibrio compositivo, sacando el máximo partido visual a unos pocos elementos, a su disposición, variación y repetición. La capacidad visual de Torres García la tenemos todos (la capacidad de equilibrar masas en una superficie), por eso parece “fácil”, porque es visualmente comprensible, sencillo. Pero no fácil. Al menos hay que entrenarse un poco. Si no me creéis probad vosotros.

miércoles, 8 de junio de 2011

¿Grabado Líquido? 1ª parte

Un grabado liquido ¿Es posible? Algo grabado parece  estable, duradero, con una configuración que imaginamos sólida y ordenada. Asi pues un grabado liquido implica una contradicción, que inevitablemente nos remitirá a la idea de Modernidad líquida del pensador Zygmunt Bauman. Si ni conoceis este autor y no sabeis a qué me refiero podeis seguir este enlace para haceros una idea:

http://es.wikipedia.org/wiki/Zygmunt_Bauman

El mundo de la gráfica artística no es una excepción a esta disolución de las fronteras y al progresivo vaciamiento de sentido de términos que hasta hace poco parecian referirse a realidades muy claras y unívocas ¿Qué es la obra gráfica? ¿Cuando es original, cuando no? ¿Donde acaba una disciplina y comienza otra? ¿El mismo planteramiento de que existen "disciplinas artísticas" no es ya dificil de percibir, cuando todo parece interdisciplinar, eclectico, líquido en definitiva?

Mi intención es panorámica, no pretendo tanto hacer un blog exclusivamente de grabado como situar el grabado y mi experiencia como productor dentro del mundo del arte, y pensar sobre él:

El pensador-2

También mi experiencia como espectador del arte y del mundo del arte, los museos, las exposiciones, las galerías y mis compañeros, tanto otros grabadores como el resto de artistas.
Vamos, un poco de todo.

Para empezar una breve explicacion de lo que es el grabado, bueno, quizá no sea tan breve:



Bien, y para acabar este primer mensaje un poco de música para relajarnos, que no tiene nada que ver con el grabado, es Tom Waits, un artista tremendo:




Ale, hasta pronto.